Tema 28. La Antigüedad clásica Flashcards
La música en Grecia. Introducción
La música se consideraba una tekné (técnica, habilidad, destreza, arte). La palabra tekné engloba tanto a artistas como a teóricos. Esta concepción de arte y ciencia como disciplinas teóricas derivará en la Edad Media en el concepto de Ars (disciplinas liberales), que se encuadrarán en el Trivium y Quadrivium.
Teoría musical griega: Notas. Intervalos. Genera
Notas: Las notas poseen dos nombres, el primero propio y el segundo según la altura del tetracordio al que pertenece.
Intervalos: Los intervalos en la teoría musical griega se basan en el movimiento de la voz humana, y pueden ser de tipo continuo (glissando) o discontinuo. Este último da lugar a tres tipos de intervalos diferentes: tonos, semitonos y ditonos, que corresponden con los nuestros (tono, semitono y ditono o tercera mayor), si bien su semitono era algo más pequeño que el nuestro y, por tanto, el ditono restante hasta completar la cuarta justa era algo mayor.
La ordenación de los intervalos se produce siempre en el ámbito de una cuarta (diatessaron). Los extremos de los intervalos conforman un tetracordio (tetrachordon), medida básica en la formación de unidades mayores de tipo melódico, plasmado en la confección del instrumento por excelencia: la lira de cuatro cuerdas (phorminx).
Genera: depende de tres tetracordios básicos: diatónico, cromático y enarmónico (a pesar de la coincidencia de nombres no hay relación con los conceptos actuales).
Teoría musical griega: Escalas y Modulación
Escalas: Las escalas vienen dadas por dos tetracordios y sus posibles colocaciones, desde un punto de vista interno por la sucesión de tonos y semitonos (tonoi), y de manera externa dando lugar a distintas posibilidades (harmoniai). Los nombres de estos tonoi son los considerados modos principales: dórico, frigio, lidio y mixolidio.
A cada uno de estos tonos habría que añadir otros dos, uno superior y otro inferior a cada uno de los principales. En el caso de que comenzaran por la quinta superior recibirían el prefijo hiper y si lo hicieran por la quinta inferior el prefijo sería hipo; tendríamos así un hiperdórico, hiperfrigio, hipodórico, etc. Aplicando la totalidad de posibilidades es evidentemente que se producen numerosas coincidencias:
- escala de “la”: hipodórico, hiperfrigio (locrense, o eolio);
- escala de “sol”: hipofrigio, hiperlidio (iásico, o jónico);
- escala de “fa”: hipolidio, hipermixolidio;
- escala de “mi”: dórico, hipomixolidio;
- escala de “re”: frigio;
- escala de “do”: lidio;
- escala de “si”: mixolidio, hiperdórico.
Modulación. Ethos y pathos: La modulación hace referencia a los modos, es decir, a la manera de ser de cada escala, definida a partir de la colocación de tonos y semitonos. La harmonia daba lugar a dos conceptos diferentes: el pathos, que se refiere al sonido en sí, mientras que el ethos define lo que transmite a nivel emotivo cada modo. Este concepto fue ampliamente discutido por Platón, Aristóteles y otros muchos pensadores a los que interesó vivamente el tema musical.
Teoría Musical griega: Fuentes
Existen aproximadamente unos veinte ejemplos, aunque tan solo unos pocos son enteramente fiables, debido a que la mayoría de ellos no se han conservado en su totalidad. Uno de los más destacables es un fragmento de la obra Orestes, de Eurípides (250 a.C., aprox.). Se trata de un stasimon, o sea, un coro cantado estáticamente en la orchestra (lugar delante del escenario donde se colocaban algunos de los participantes en la tragedia). Su conservación es buena, aunque no perfecta del todo, ya que fue escrito en papiro y algunas partes se han perdido.
Se conserva además el skolion (epitafio) de Seikilos (siglo II a.C, aprox.), escrito en piedra (en una estela funeraria de Turquía, que se conserva actualmente en Dinamarca) con una magnífica conservación, que ha permitido descifrarlo en su totalidad. La aportación más interesante de este documento histórico a los estudios de música griega ha sido la notación rítmica, que al igual que la melódica usa signos del alfabeto griego.
Del mismo período, y también conservados íntegramente, tenemos dos himnos al dios Apolo, grabados en el muro de un templo, en Delfos.
Pertenecientes a la era cristiana se conservan los tres himnos de Mesomedes de Creta publicados en 1581 por Vicenzo Galilei y el papiro de Oxyrhynchos, con un himno a la Santísima Trinidad (siglo II d.C.).
Desarrollo histórico de la música en Grecia. Poesía épica.
Transcurre aproximadamente entre los siglos VIII y VII a.C., siendo sus autores principales Hesíodo, con su Teogonía, y Homero con sus dos obras fundamentales Ilíada y Odisea. Por ellos, y muy especialmente por Homero, conocemos el magnífico papel otorgado a la música en este período. Existían coros no profesionales dirigidos por un rapsoda profesional. Estos profesionales desempeñaban un importante papel en cortes y fiestas, cantando las hazañas de los héroes acompañándose con la lira.
Desarrollo histórico de la música en Grecia. Poesía lírica
Corresponde al período entre los siglos VII y VI a.C. Tal y como su nombre indica, la poesía se producía al son de la lira. El instrumento daba el tono y, probablemente, doblaba la melodía heterofónicamente, es decir, doblando la melodía vocal, a la que ornamentaba. Se trata de temas populares, raramente escritos.
El nivel más alto alcanzado por la poesía lírica estuvo ligado a la isla de Lesbos, donde los eolios desarrollaron un hermosísimo canto monódico basado en poesía de contenido amoroso. La principal autora de este pueblo es la poetisa Safo, quien además dirigió una escuela de mujeres.
Desarrollo histórico de la música en Grecia. Tragedia
Dentro de la representación teatral griega, que incluía todas las manifestaciones artísticas, los dos principales géneros son el dithyrambos y el drama. El primero se desarrolló a partir de un baile en honor del dios Dionisios, en el que cincuenta hombres y muchachos bailaban en círculo agarrados de la mano al son del aulos o del barbiton. El drama es una representación trágica que combina poesía, música y danza.
La música se desarrollaba a partir de solos tanto vocales como instrumentales, así como de coros situados en la orchestra (lugar semicircular que quedaba entre el público y el escenario), donde no podía haber más de quince ejecutantes. En caso de existir acompañamiento instrumental, los instrumentos se colocaban en segundo plano y no podían mezclarse sonoridades distintas: a diferencia de lo que ocurrió en Roma y que ha llegado a nuestros días, los griegos no admitían la mezcla de instrumentos de distinta categoría (al menos desde un punto de vista teórico).
Los autores más importantes de este periodo son Esquilo, que se caracteriza por una gran riqueza vocal; Sófocles, cuya obra despertó un gran interés científico literario durante el siglo XIX; Eurípides, que trasladó el coro a un segundo plano; y Aristófanes, que añadió intermedios instrumentales a su obra, con lo que comenzó un proceso de separación entre la música, la poesía y la danza en el contexto de la tragedia.
Pero la absoluta autonomía de la música y la poesía se alcanzó con Timotheos de Mileto a partir de la renovación del dithyrambos. Las florituras en el canto, las salidas tonales, la introducción de distintos instrumentos y sobre todo la colocación de toda la letra en música propiciaron una nueva concepción del drama y la tragedia, con la pérdida del ethos.
Paralelamente y desde el siglo VII a.C. se produce la evolución instrumental y el virtuosismo con el desarrollo de dos escuelas fundamentales: la que amplía las posibilidades de ejecución técnica de la kithara (kitharistica) y del aulos (auletica).
Desarrollo histórico de la música en Grecia. Helenismo
Las conquistas de Alejandro Magno provocaron cambios importantes en la concepción musical griega. La expansión hacia el Este asiático durante su reinado (336-323 a.C.) provocó un gran número de influencias orientales.
En lo referente a la música, el culto al aplauso que se produce a partir del siglo V produce el desgaje de las artes, consideradas previamente como un todo. El aumento del virtuosismo y el gran número de artistas agrupados en centros y escuelas propició la aparición de un concepto de música hedonista contrario al tradicional y antiguo, con la consiguiente repulsa de los pensadores y los tradicionalistas.
Los nuevos géneros aparecidos en esta época tienen mucho de influencia asiática y están claramente al servicio de una clase dirigente, noble y militar. La pantomima se basaba en bailes y gestos asociados, a partir de un argumento mitológico a los que se añadía canto e instrumento. El género más importante de la época podría ser definido como música de cámara, recitado de canciones con acompañamiento de arpa, laúd o cítara. Influyen además un gran número de instrumentos foráneos, así como músicos ambulantes que se trasladan a la metrópoli.
Instrumentos y formas griegas
Los instrumentos más considerados por los griegos son los de cuerda. El instrumento más conocido es, a la vez, el más antiguo, y estaba ligado a procesos educativos musicales: el phorminx. Tenía originalmente cuatro cuerdas a las que Terpandro añadió otras tres dando lugar a la kithara de siete cuerdas.
La kithara poseía una caja de resonancia grande, aunque a veces se tocaba un instrumento de menores dimensiones, la kithara de cuna, más apropiado para la práctica musical particular no profesionalizada. La lira tenía siete cuerdas y una caja de resonancia formada por el caparazón de una tortuga. El laúd se introduce en Grecia a partir del siglo IV a.C. y poseía tres cuerdas. También de influencia externa, probablemente egipcia, es el arpa, que llegó a tener veinte cuerdas. El barbiton estaba ligado al culto dionisíaco y poseía siete cuerdas.
En cuanto a los instrumentos de viento el más conocido actualmente es el aulos. Aunque ha sido considerado una flauta doble se trata originalmente de un instrumento de doble lengüeta, y doble tubo en ángulo, procedente de Frigia (Asia Menor). Como instrumento de viento y debido a su procedencia, en todo momento fue un instrumento de menor consideración que la lira y, en términos generales, rechazado (este rechazo a los instrumentos de viento se trasladó a los tratadistas medievales). Estaba ligado al culto a Dionisios. El syrinx o siringa es una flauta de Pan, existían de varias medidas y era de tipo pastoril. El salpinx era una trompeta metálica que habitualmente usaban los mensajeros.
Las formas principales en la música griega están ligadas al culto a los dioses. En general, el canto en alabanza de los dioses era acompañado por la kithara y se denominaba himno. El dithyrambo era acompañado bien por el aulos bien por el barbiton y era de tipo coral en honor a Dionisios. En contrapartida el pean era una danza de curación en honor de Apolo, también de tipo coral pero acompañada por la kithara. Otras formas se adecuan a momentos concretos de la vida social de la polis, como el lamento fúnebre (treno) acompañado por el aulos, así como el himeneo que se realizaba en la boda en honor a la novia.
Pensamiento musical en Grecia. 1. Periodo mitológico
En la llamada Edad Heroica (siglo XV a.C. en adelante) la presencia e importancia de la música es observable en la mitología, siendo Orpheo (que domina la naturaleza con su canto) o Apolo (director de las Musas y gran intérprete de lira) dos figuras principales. Otros personajes interesantes ligados a la música son Dionisios, que aparece como contrapartida a Apolo; y Pan, semidios entre chivo y humano cuya leyenda cuenta el origen de la flauta de Pan, syrinx. El rechazo divino a los instrumentos de viento y su adscripción a los instrumentos de cuerda es evidente en la asociación de estos instrumentos con unos u otros dioses.
Pensamiento musical en Grecia. 2. Homero
A Homero se atribuyen dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea. En esta última abundan los ejemplos musicales, como el poder de la música para subyugar al ser humano mediante el canto de las sirenas o el poder del canto hechicero de Circe, además de la presencia de aedos en diferentes cortes.
Pensamiento musical en Grecia. 3. Pitágoras
En su explicación del mundo llena de proporciones matemáticas la música cobra un papel protagonista, reflejado en el concepto de armonía de las esferas o música de las esferas. También se trata la relación existente entre música y alma, así como el poder de la música de producir la catarsis, pensamiento que tendría una enorme repercusión en posteriores pensadores tanto griegos como cristianos.
Pensamiento musical en Grecia. 4. Platón
Platón (428-347 a.C.) muestra su pensamiento musical disperso en sus obras musicales: en La República considera penoso el espectáculo musical y aboga por volver a la tradición, ya que en los nuevos espectáculos cualquiera es capaz de opinar. En Las Leyes expresa su deseo de depurar la música para bien del Estado. En Gorgias trata la música como arte, pero no como ciencia, otorgándole este valor científico en Fedón. La música es un don divino en Fedro y su relación con el número pitagórico está presente en Timeo, ya que existen dos concepciones de música, una de ella inaudible
Pensamiento musical en Grecia. 5. Aristóteles
Aristóteles (382-322 a.C.) considera los mismos aspectos musicales que sus antecesores, pero añade un componente hedonista. La música debe estar al servicio de los jóvenes como un elemento de ocio, pero no con fines prácticos, ya que profesionalizar la música la convierte en tarea de esclavos. A pesar de su crítica a algunos puntos de las teorías pitagóricas, existe cierto pitagorismo en su consideración sobre la música como imitación (mímesis) de la naturaleza.
Pensamiento musical en Grecia. 6. Aristoxeno
Aristoxeno (354-300 a.C.) es un discípulo de Aristóteles que retoma el pensamiento pitagórico. Su punto de vista es eminentemente práctico, tal y como expresa en sus obras Elementos armónicos y Elementos de rítmica. Sus ideas fueron recogidas y ampliadas por sus alumnos Cleónides, Teofrasto y Filodemo.
