La Renaissance Flashcards
Qui est l’artiste qui entraînera une rupture dans l’art par sa volonté de raconter une histoire
Giotto, renaissance
Pourquoi Saint-François est-il un personnage important?
réconciliation entre la foi chrétienne et le monde matériel qui vient de l’intérieur de l’Église
But : Être en harmonie avec Dieu → Réconciliation qui nous entoure (monde terrestre et matériel) et le monde divin, il faut arrêter de mépriser le monde matériel et d’y voir un danger puisque TOUT est l’expression, la création de Dieu
→ inspiration pour les artistes
→ Il faut tout peindre avec une précision, un détail attentionné, car il faut être le plus attentionné possible et respectueux de l’univers que Dieu a créé.
Caractéristiques des nouvelles compositions de Giotto
- Images inspirées par la littérature et équivalentes à un texte biblique didactique
- Intérêt pour la matérialité du monde
- Possibilité d’innovation (tout en suivant les textes bibliques)
- Représentation de simples humains (et de leurs émotions) et de la nature, Présence d’émotions chez les personnages du tableau : notion d’individualité (noms d’artistes mentionnés).
- Plusieurs plans : présence espace/nature, pas de mépris pour le monde, la nature devient un sujet. (Lien entre le monde divin et matériel puisque le christ y est né) Volumes, dégradés de couleurs et ombre, espace en 3D
Quelle est l’œuvre de Giotto qui incarne la Renaissance, pourquoi
Apparition de l’ange à Sainte-Anne (autour 1305), Giotto
1. Ombres, dégradées de couleur → intérêt pour le matériel
2. Invente une nouvelle composition tout en suivant un récit (St. Anne ne peut avoir d’enfants, Dieu envoie un ange pour lui annoncer qu’elle portera Marie).
3. Ligne directrice = diagonale formée par les têtes des personnages (Dieu à l’extérieur, l’ange, Marie et la bonne (qui espionne), spectateur en bas à gauche)
4. Place du spectateur : idée de transmission du savoir religieux : FONCTION SYMBOLIQUE
5. Point de fuite à gauche
Qu’est ce que la perspective linéaire et ses fonctions (5) de la moins importante vers la plus importante
Perspective linéaire : inventée par les Grecs (Ve siècle av. JC), relancée à la Renaissance. Point de fuite qui semble dire que les lignes se touchent alors qu’elles sont parallèles.
Fonctions :
1. Effet de profondeur qui copie la réalité, illusion d’espace
2. Inclure le spectateur dans l’image, lui donner une place : on sait d’où regarder le récit (en face du point de fuite)
3. Fonction symbolique dans l’emplacement du spectateur: il joue un rôle dans la transmission du message du récit. Spectateur = maillon du récit.
→ Permet de nous faire comprendre le rôle de chacun et le discours religieux.
- Utiliser la symétrie pour créer un effet de stabilité, monde idéal, ordonné et harmonieux, digne du monde céleste, mesurable. (Villes idéalisées)
- Outil d’élévation à l’art libéral pour les peintres, se dissocier des artisans, peinture = intellectuelle pas manuelle, montrer que l’artiste est un savant comme un noble et qu’ils ont une vision du monde qui mérite d’être écoutée et partagée
Importance de la perspective dans l’apparition de l’ange à Sainte-Anne
Œuvre de Giotto vers 1305 Le point de fuite derrière la bonne nous inclus dans une chaîne de transmission: même si on doute et qu’on n’a pas vécu la scène, le miracle a eu lieu, nous avons la foi, Sainte-Anne n’a pas vu Dieu, la bonne n’a pas vu Dieu ni l’ange, mais a entendu, et nous n’avons ni vu Dieu, ni l’ange ni Sainte-Anne
Adam et Ève chassés du paradis sont une œuvre de la Renaissance, pourquoi?
Artiste : Masaccio en vers 1426
1. Présence de corps humains réalistes (intérêt pour le monde matériel), nous ne sommes plus dans la négation du corps, NUDITÉ, (au 16e siècle on recouvre leurs parties génitales avec des branches).
2. Ciel bleu, ombres, dégradés
3. Point de fuite vient créer de la profondeur
4. Point de fuite à droite: Perspective linéaire qui nous place dans le récit; nous sommes dans le même espace qu’eux, dans la continuité (En croquant la pomme de la connaissance, Adam et Ève sont chassés du Paradis. Punition= la femme enfantera dans la douleur (Eve qui ressent déjà cette douleur) et l’homme devra travailler pour survivre (Adam se cache les yeux pour ne pas voir la terre qu’il devra travailler) Nous sommes positionnés en face de leur expulsion pour être bien au courant de la punition qui nous attend, nous sommes héritiers et descendants du péché
5. Leçon : on doit travailler = bon chrétien, bien se comporter pour aller au paradis
De quelle époque s’inspire la Renaissance et pourquoi, 2 œuvres principales inspirantes?
les Grecs de l’époque classique, inspirent la Renaissance, Art de la renaissance = pas réaliste : interprétation du réel, forme idéalisée, collage. Pour Grecs et Renaissance : trouver dans le monde un écho de l’idéal divin, en opposition au Moyen-Âge. Grecs et Renaissance se tournent vers le monde matériel
A. Aphrodite de Cnide, Praxitèle, -350
B. Doryphore, Polyclète, -440
Œuvre de Masaccio qui met en scène le Christ et comment reflète-t-elle la Renaissance
La Sainte Trinité, 15e siècle
a. Volumétrie et ombrages
b. Liens avec l’Antiquité : architecture grecque et romaine.
c. Idée qu’une œuvre devait glorifier une harmonie, un équilibre (avec les formes), une symétrie parfaite, triangles égaux = monde divin parfaitement organisé : ordre céleste, réel idéalisé. Idéal de l’Antiquité grecque repris par les romains et la Renaissance. But: montrer un monde stable.
d. Perspective linéaire: point de fuite aux pieds du Christ → sentiment d’infériorité, idée de grandeur divine, sentiment d’appartenance au monde terrestre/des mortels VS monde divin. Point de fuite à genoux. Pour faire un monde ordonné qui sera l’écho du monde divin.
e. Message véhiculé : nous faire comprendre que pour avoir une vie éternelle, il faut être croyant, la vie éternelle est au ciel. “J’étais ce que vous êtes, vous serez ce que je suis”: message écrit au-dessus de squelette, hiérarchie : Dieu, Christ, Marie, les donateurs puis nous → on va mourir donc il faut être dans les bonne grâces de Dieu, prier + donner de l’argent à l’église pour aller au paradis.
Au __ siècle, on fait des maquettes des villes à l’époque mais idéalisées, comment?
- Ville idéale (pas de poubelles, pas de terres battues). (Pas la réalité de l’époque)
- Représentation de l’idée de la ville, idéalisée, arrangée
- Proposition d’une idée au niveau urbain.
- Organisation idéale (harmonie, équilibre, symétrie).
- Collage : l’idéal est un collage des choses les plus intéressantes, on choisit les plus beaux bâtiments
- Symétrie de la hauteur des bâtiments, de la largeur des tuiles, de la hauteur des fenêtres espace mesurable, on est en possession de l’espace, de l’ordre qu’on lui donne
- Perspective servant à montrer un monde idéal
Mantegna est un artiste très représentatif de la Renaissance, explique pour chacune de ses œuvres à l’étude (2).
A. Christ mort (vers 1480-1490)
le Christ est couché
1. Perspective linéaire: Point de fuite = haut de la tête du Christ= effet narratif, on voit les stigmates, les trous
2. Le Christ qui était si important n’est plus qu’un morceau de chaire, insistance sur l’aspect matériel du christ mais on va tricher sur les proportions
3. Corps du Christ placé en bas du spectateur.
4. Aspect humain (présence des émotions sans être dans l’extrême, on est dans l’équilibre
5. Importance du message, récit biblique, plutôt que de la représentation du réel/effet de profondeur: triche sur les proportions du corps du christ (la tête du christ ne pouvait pas être placée en petit derrière → bras trop longs, jambes et pieds trop petits, grosse cage thoracique), en trichant sur ces proportions, on donne ce point de vue avec un certain décorum, avec le respect qui est dû au Christ (on ne souhaite pas l’insulter en donnant plus d’importance à ses pieds)
6. Niveau symbolique qui l’emporte sur l’imitation du réel : art idéalisé (idée du monde)
B. Saint-Sébastien (1480) Saint-Sébastien (1480) - Mantegna
1. Récit biblique illustré : soldat romain converti au catholicisme, autres soldats essaient de le tuer, dieu intervient
2. Bien ordonné (personnage placé au centre)
3. Rapport à l’Antiquité marqué reprise des morales antiques → architecture + pose personnage (contraposto)
4. État de béatitude divine, héroïsme en plein contrôle (ordre)
5. Rapport à la nature.
6. Présence du corps nu, pas très tendu
7. Position du personnage = copie d’une statue romaine, inspiration des statues grecques et copie les statues antiques
8. Peau évoque de Doryphore et pause aussi; idée de la masculinité dans l’antiquité grecque.
À quelle période appartient le peintre Botticelli et qui est-il? Quel type d’art développera-t-il?
Peintre très connu de la Renaissance qui faisait les peintures pour la famille Médicis (riche mécène et puissant, régnaient sur Florence), décorait les appartements de ces derniers, meubler leur palais, on s’inspire des tapisseries.
Art pas religieux, agréable, élégant se développe aussi.
Mars et Vénus…
Œuvre amusante de Botticelli (diablotins qui jouent avec le matériel militaire de Mars), distrayante avec une morale légère (épuiser les hommes par le sexe pour qu’ils n’aient pas faire la guerre), évoque la sexualité.
Vers 1483
Genre disparu au Moyen-Âge, mais réadopté à la Renaissance.
Autoportrait
Buts des autoportraits à la Renaissance
Montrer l’importance d’un artiste. Forme de reconnaissance dans la société, le peintre élève son statut social (exemple avec Botticelli). Peinture= art noble, l’autoportrait permet de se donner une importance, une forme de célébrité. Artistes deviennent plus célèbres/ nobles : possibilité d’autoportrait, avant seulement les rois et le pape qui y avaient droit.
Les autoportraits ne correspondent pas à une représentation fidèle d’une personne mais bien une représentation d’un idéal que l’on souhaite incarner: invention de soi en lien avec cet idéal.
Dürer fera de nombreux autoportraits, quels éléments importants inclut il?
Autoportrait au chardon (1493)
Chardon = promesse de fidélité avec la fleur (bon mari)
Gants blancs en cuir → montre un statut social élevé; témoigne du fait qu’il ne pratique pas les arts manuels.
Chevelure → fait penser au Christ (+ pose du christ), raffiné, élégant + longue (travail = cheveux attachés)
Pose christique, attitude sérieuse
Beaux habits, cape/ chapeau = richesse
Technique développée à la Renaissance
Gravure par Dürer
Utilise développement de l’impression des gravures pour diffuser son travail à plus grande échelle, outil pour sa renommée. Commence son travail à un très jeune âge. Talent + longue expertise. (Tellement populaire qu’on essaie de lui voler ses œuvres → mettra au point sa signature : début de la réflexion sur le droit d’auteur et la propriété intellectuelle.
Célèbre oeuvre de gravure
Le Rhinocéros (1515) – Dürer
Gravure, représentation de curiosités exotiques et intellectuelle, animal étranger, pour attirer l’attention.
Signature : on début la réflexion sur le droit d’auteur et la propriété intellectuelle.
Sans l’avoir vu, il dresse un portrait très précis de l’animal et armure : guerrier.
Œuvre de la Renaissance qui comporte 2 interprétations
Les Époux Arnolfini (1434) - Jan Van Eyck
- Portrait d’un riche commerçant italien (Arnolfini) dans un décor luxueux (tapis, tissus rouges, chandelier, miroir, carreaux de fenêtre); reflet dans le miroir 2 hommes dont 1 est peut-être Van Eyck. Hypothèse : Arnolfini se fait représenter lors de sa demande en mariage avec témoins officiels (dont Van Eyck, ce qui le rend important, lui donne une valeur sociale). Signature en dessous du miroir montre que le peintre sait parler/écrire/lire le latin “Eyck était la” et scelle son témoignage et l’importance de celui-ci. La femme n’est pas enceinte, elle porte sa robe taille haute et des vêtements amples pour prouver qu’elle est prête à enfanter
- Autoportrait de Van Eyck avec sa femme en célébrant l’arrivée d’un enfant et pour se souvenir de sa femme (décédée), permet de célébrer son enfant et de se remémorer. La signature pourrait aussi montrer que l’enfant était là, “Eyck était la” dans le ventre de la dame. Les personnages qu’on voit dans le miroir sont nous, les spectateurs, inclus dans l’oeuvre. Les bougies du chandelier sont éteintes du côté de la femme (morte) et allumés du côté de l’homme toujours en vie.
Dans les 2, le chien est un symbole de fidélité. La femme s’épile les sourcils et le front.
Caractéristiques de l’œuvre de Van Eyck
Autoportrait, portrait?
Prouve que le statut social de l’artiste s’élève, signature est là = écriture = éduqué (haute class. soc)
À l’époque les femmes devaient montrer qu’elles avaient la capacité de porter des enfants (plis sur le ventre) + elles s’épilaient le front.
Décor luxueux monte que l’artiste est riche (miroir, fenêtres en verre, draperie rouge manteau en vison)
Chien= fidélité à Dieu, scènes bibliques sur le miroir + pas de chaussures dans la chambre (respect de Dieu)
Grosse robe de la femme, montrer ses formes et sa capacité à enfanter.
